张咏清艺术杂谈

[size=3]张咏清艺术杂谈
作者: 一休 发表日期: 2006-01-21 21:49 复制链接

张咏清艺术杂谈
（转自美术大观）

一、 论创作

绘画是一种再现表像的艺术，所以它体现出的精神内涵就弥足珍贵。表现具象和逼真，往往形似而神非；表达精神，虽形不似，但充满意境和内涵。

把抽象的东西具体化，把具象的东西含蓄化，把冲突的东西和谐化，把平淡的东西意境化，即是优秀的作品。

应为思想的深刻加上激情的气息，对极尽变化的无穷思考添加技巧形式的灵动性，作品即会赏心悦目。

行成于思，业精于勤。绘画艺术既需要天赋又需要勤奋，没有天赋的勤奋仅是苦力，只有汗水而没有收获；没有勤奋的天赋仅是虚幻的空想，只有瞬间的陶醉，没有永恒的艺术。

绘画之道，不仅在于会用“加”法，更在于如何使用“减”法。

火虚则旺，心虚则进，笔虚则变化丰富，画虚则意广境深。

搜求于象，心入于境，神会于物，因心而得，是绘画创作的必由之路。

从写生到创作，从构图到结构，从曲线到形象，从节奏到韵味，从研究色彩到表现色彩，无不在灵动的空间中进行。

构思中，知其丰富守其单纯，知其清晰守其朦胧；巧妙迂回应多于狂热直白，弦外之音应多于高谈阔论，在悦目之中饱含高雅，青春萌动中蕴含深思。[/size]

在想象之中表现对象，对象即充满灵动和活力；在僵化的思维中描绘对象，对象即变的死气和僵硬。

用人文思想解读客观对象，画面即会承载丰富的文化内涵和精神审美因素。

形象思维是绘画创作的主要特征，它是充满情感的、合乎逻辑的、创造性的想象。

艺术表现上的情感分两种，一种是表现情感，一种是暴露情感，而只有表现情感时才是艺术的情感。

形而上者谓之道，形而下者谓之器，用形而下来彰显形而上，不失为一高明之举；曲径通幽，歪打正着是艺术创作不可或缺的方式。

外师造化，中得心源，读万卷书，行万里路，画自然，画技巧，画修养，遵循“上善若水，厚德载物。”的准则，人品即画品便是画者的终极目标。老实做人，俏皮作画，作品即会体现出情真意切的境界。为人狡诈，其作品必然急功近利，表现出虚假、苍白、空洞、乏味。

自信是创作的巨大动力，推动创作走向成功；自负是创作的一股魔力，它能使创作走火入魔，误入歧途。只有对自己的作品采取永不满足的态度，不间断的学习、吸收、借鉴，才能使作品的面貌不断变化翻新。

过去我们常常争论内容和形式的关系，究竟是内容决定形式，还是形式优于内容？现时我的答案是：形式是永恒的、绝对的，而内容则是相对的、暂时的。

强调物我同一情景交融，必然注重情感要素，从而使激情催生了浪漫，浪漫主义使情感得到了充分的展示。

绘画作品不能是自然主义的拷贝，而是形与色，线条与块面，形式与意境的令人感动和信服的整体。

用色彩塑造形象，当颜色丰富时，形体也就丰满了。

富有感觉变化微妙的色彩，不是来自客观对象，而是来自主观心灵。一个画家首先应忠实于自己的感受和意识，做有思想的艺术家，不做视觉奴性的工具。

画格越高，其法越简，画格越低，其法越繁。笔法简单则形象生动，色彩单纯而意境深远。

不能为变化而牺牲和谐，为优美而牺牲气势，为智慧而牺牲心灵，要表现一切美好的事物，要重视一切形式和造型语言。

为自己作画，是自娱自乐，乐而有趣；为展览作画，是沽名钓誉，苦而无味；为金钱作画，是自寻烦恼，苦不堪言。

艺术创作离不开传统，没有传统的基础，艺术就成无源之水和空中楼阁；没有传统作为镜鉴，艺术的发展将会陷入盲目和方向的迷失。

笔墨当随时代，是说绘画的精神应跟随时代，而不应理解为笔和墨的粗细、浓淡、干湿等纯技巧的因素，如此，那笔墨就无法跟随当今变化多端，光怪陆离的时代。

当你的创作觉得无路可走时，就是你进步和再上台阶的开始，因为你已站在了新的起点上。

磨刀不误砍柴工，历练修养方佳品。不关注理论，不加强文化修养，只拼技巧的创作，如同竭泽而渔，技巧的纯熟之日，也是创作的干枯之时。

流于形式，出于浮浅；满眼名利，躁动不安；惶惶心境，心不在焉。这是当下产生大量苍白浅薄之作的根源。

天下难事，必做于易；天下大事，必做于细；天下巨幅，必从一笔一画开始。

宁跟知者一起犯错误，不跟庸人一起探讨真理。因前者是在创新突破，后者却是因袭守旧。

创作要注重生活感受，秉持厚积薄发的理念，作品即会内涵深刻，精神意义得到充分张扬；有些“学院派”作者，没有任何生活感受，憋闷在屋子里空想，进行“不积而发”或“空积而发”，其画面必然是仅具有一层表面形式，而无内涵的浅薄之作。

二、 论美丑

美是形式的和谐，内容的深刻，样式的变化，精神意义的张扬，是多样统一的综合体。

美包括在变化、和谐、均衡、丰盛中。

美是形象的真理，美多在形式中，它是一种诗境，体现画中有诗，诗中有画的意境。

美在形式，美在内容，美在精神，美在意境，美在作者和观者的心灵。

美应体现多样性、相对性、变化性、协调性、丰富性。

雕塑维纳斯是一种残缺的美，却成了真正意义上的完美。

形式美是多种多样的，曲线美、直线美、彩色美、黑白美、矛盾冲突色彩对比是美，和谐与协调更是美。阴柔美，阳刚美，含蓄美，典雅美，雄壮美，浑厚美，奇异美，神妙美，险峻美，清秀美，幽雅美，粗犷美，飘逸美，宁静忧郁美，热烈奔放美，优美与崇高，悲壮与滑稽，变化与和谐，中和为美，天人合一更是美中之美。

形式美是指色彩、线条、形体、明暗、空间等美术语言合规律合目的性的组合，即表象的美。

对称与均衡，调和与对比，节凑与韵律，多样与统一，既是形式美的组合法则，又是形式美的规律。

优美、宁静、忧郁、热烈奔放等等，是赋予了情感因素的形式美。

真的、善的即是美的，突出性、鲜明性、生动性是美的特性。

个性美是“独特”，是“风格”，更是“造诣”和“修养”。

真实性是审美的生命，离开了真实性，也就不能称其为艺术作品。它是艺术的真实，而不是客观世界的真实。

只要心中所及都是真、善，眼里所见就会是靓丽的风景，耳里所及就会是妙不可言的音乐，头脑所及就会是卓越的构思和优美的画面。

优美的作品意味着协调、单纯和真实。

艺术美是在现实美基础上的再创造。作品只有具备了艺术美，才能称其为“精品”。

崇高之美是唤起观者赞扬和愉悦的特殊审美感受，而刻意追求大事件、大场面、大画面的作品不仅表现不出丝毫的崇高，甚至连起码的美感都消失了。

“深刻”是艺术美的最重要因素之一，优秀的艺术作品均离不开深刻。小说《白鹿原》受到读者的青睐，是因其揭示了人性的深刻；电视剧《三国演义》、《雍正王朝》受到观众的喜爱，是因其表现的深刻；赵本山的小品受到百姓的欢迎，是因其讽喻幽默的深刻；唐国强从“奶油小生”到优秀演员，是因其从形似到神似的深刻转变；罗中立的《父亲》带给人们的震撼也是因其内涵的深刻……

丑是畸形、毁损、病态、杂乱、不协调、是假、恶、空。丑令人视觉障碍，心理厌恶，思维窒闷。

艺术丑是作品内容庸俗、低级、虚假、腐朽、形式陈旧、技巧低劣、没有创意、是浪费观者精力的苍白之作。

丑的行为有时尽管披上了艺术的外衣，但仍掩盖不住糟于其内的丑的本质。

美与丑的关系主要是两者之间的相对性、反衬性、转化性，美相对丑而生长，丑相对美而存在；美丑对比，丑者更丑，美者更美；美丑转换，不是狂喜，就是苦痛。

郭兰英的民歌，体现的是一种醇香和优美，臧天朔沙哑的吼叫表达出了一种原始和粗犷。二者审美的转换，是时代异也。

对丑的深刻剖析和否定，就是对美的肯定；对美的过分修饰和包装，只能增添其外表的漂亮而甜腻，减弱其内涵的深度和广度。

有的人美丑颠倒，以丑为美，不是他美丑不分，而是故做丑态，心存其丑。
过去，挂着羊头卖狗肉，狗肉为假，现时成了挂着狗头卖羊肉，羊肉为假，到底熟真熟假？这是社会价值趋向的问题。

三、论欣赏

西方审美意识是以视觉和听觉为感知方式的，而中国的传统审美意识是以味觉和触觉为感知方式的，两者因审美感知方式不同，造成了审美欣赏的巨大差异。根据后汉的《说文解字》，认为“羊大为美”，“羊大”之所以为“美”，是因为“羊大”肉好吃之故；另外，羊在六畜中排行老大，从大即美；再者，羊即膳，与善同义，善即美。西方因视觉和听觉导致了艺术关注外表，注重形式及偏重写实的外向特点。我国则因味觉和触觉的作用而对艺术关注内部、内涵、精神，倾向于写意的内向特点，并行成与“味”、“品”相匹配的一系列美的术语，“意味”、“韵味”、 “神味”、“品味”、“品位”、“情调”、等等。

关注精神内涵，作品似或不似，均无关紧要；没有精神内涵，作品即是形象逼真，也只是一个空壳而已。

马有精神则潇洒勇猛，人有精神则创力无限，画有精神则充满意境，耐人寻味。

用欣赏的眼光看世界，世界即变得和谐丰富；用欣赏的眼光看事物，事物即变得自然而顺心；用欣赏的眼光看别人，人们身上即会充满智慧和优点。

美是无处不在，只是缺少耐心的品位和激情的欣赏。

作品的价值不仅体现在是否给观者产生出特别的视觉审美快感和刺激，更应体现在给观者的思想是否带来震撼和思考。

画面的和谐，必须满足各种关系的协调，即永久与瞬间的协调，感性与理性的协调，感觉与思维的协调，色彩与形象的协调，变化与统一的协调，热烈奔放与优美典雅的协调。

只有当颜色有了声音，线条有了生气，形象有了光彩，优秀的作品就诞生了。

美术作品不应以画面大小来决定优劣，应遵循“其小无内，其大无外”的规律。

作品的内容和形式不能强词夺理强加于人，而要细雨之于禾苗，润物而无声，潜入观者的心灵。

优秀的作品不应仅仅体现单一价值，而应体现几种或多种，达到价值的丰富，寻求能够表现深刻内涵而非外表的东西。

审美必须是超然功利之外，处于物我两忘的境界，在心平气静的状态下，才能品味和感受那种意外之意境中之境。

如果在美术作品中过多地考虑文学的暗示，倒不如干脆用文字表达效果更佳，如果过多地考虑市场因素，那是以商人的心理作践自己。

所谓意境，即是情与境的交融，写山则情满于山，画水则意满于水。使人触景生情，情不自禁，情意连绵。

艺术风格是一个艺术家成熟的标志，是瓜熟蒂落水到渠成，是作品所呈现的总体艺术倾向和艺术特点，也是他全部人格的体现。没有形成风格而强求，如同拔苗助长而断养的生瓜，只能给人以苦涩。

格调是作品表现出来的美学品格和思想情操，它有高低之分雅俗之别，更有人品的内涵。有我行我素虔诚的格调，有左右逢源灵活圆滑的格调，更有宁折不弯的刚强格调，也有被金钱收买的低三下四的媚俗格调。

绘画含义与精神意义的共鸣，即是作品的和声。

既让线条体现纤细、单纯和活力，又要表现线条的粗犷、浑厚和劲健，才能体现线条的富有和表现力。

抽象绘画跟抽象主义概念一样，美就美在含糊不清，从而体现了随意和朦胧之美。

塞尚和毕加索将客观世界描绘成几何图形，说他们是立体主义，不如说成几何画派更贴切。

现时一些作品，重阴轻阳，重柔轻刚，重隐轻显，重画轻文，重技轻神，重小脚女人轻阳刚大气，这样下去，艺术将陷入表现纯技巧的萎靡不振的泥潭而不得自拔。

四、论流派

目前中国的画坛，大致可分为三个流派。其一是展览画派，人数众多，包括专业和业余作者，此派受官方美协控制；其二是学院派，此派以当今八大美院的师生为主，他们一方面十分关注官方美展，而另一方面又不满官方在展览内容和题材上的束缚，崇尚艺术与世界接轨；其三是聚集在各都市边缘的“职业画家”，基本上跟官方画展持对立态度。以上三派，各有千秋，但均存有致命缺陷。

展览画派尽管目前依然红火，但已是强弩之末，迷茫之感尽现。

当今中国的学院派，在自寻烦恼自我毁灭中完成了脱胎换骨，丢弃了东方的优美，捡起了西方的荒诞；放弃了生活的沃土，关起门来供起了西方现代派，对主观表现顶礼膜拜；此现象在学院派版画中尤为突出，然而，当这个假洋鬼子在中国几大美院风靡时，却受到观众的强烈抵制，并最终宣告了这个流派的短命和昙花一现的结局。

职业画派是特殊氛围下的特殊群体，弥漫着无奈、困惑、失望、反抗的情绪，表现上却给人一种自命不凡的假象，但挣扎在江湖中的甜酸苦辣，惟有自己才心知肚明。

画派的生成和发展，均是一群画家自发且“无意识”的状态下发展起来的，而目前我国所谓的新文人画派却是在一些理论家的鼓噪和策划组织下催生的，所以它出现畸形就不足为怪。

北大荒画派，以其鲜明地域特色和雄浑的画风著称于世。而今，在商品大潮的冲击下，其创作主力已四散离去，留守人员已难当大任，可以说，这个画派已寿终正寝，盖棺定论了。